Etre « pluriel » : la création d’une mythologie, fondement de l’art caribéen ?

Images-exilées, images-souvenances, images renaissantes. 

Par Minakshi Carien  (Docteure en Arts : Esthétiques, Pratique et Théories Université d’Artois)

Dans le cadre de l’analyse du fait migratoire, ces imaginaires de l’artiste auto-exilé ou de l’histoire ancestrale, sont des ouvertures possibles ancrées dans l’art contemporain, notamment les images du migrant, les boats peoples. Un phénomène d’appropriation émerge de ces interprétations subjectives, esthétiques et émotionnels, nous pouvons citer à titre d’étude de cas les œuvres de Ronald Cyrille, notamment la figure du canot (Kannot). Progressivement, sa création d’une mythologie tend à être un fondement de son art. Se peut-il que les mythologies personnelles puissent devenir la chrysalide de l’art caribéen (tant indo-descendant, que d’afro-descendant) ?

Si nous avons déjà esquissé cette problématique à travers l’œuvre de Kelly Sinnapah Mary (cf. Cahier d’un non retour au pays natal de Kelly Sinnapah Mary). Désormais il semble que cette problématique soit mise en œuvre et à l’épreuve dans le travail de Ronald Cyrille. Cet article offre un autre regard sur les héritages en terres créoles à travers le parcours d’un artiste exilé. L’article a pour enjeux de mettre en lumière les questions identitaires dans l’art actuel caribéen.

Dans son article Paysages de l’exil, lieux de l’utopie, Icléa Borsa Cattani note et questionne : « Dans quelle mesure l’art peut—il nous renvoyer à nous-même ? Jusqu’où notre trajectoire existentielle qui nous transforme en auto-exilés peut-elle être rachetée par un passeport symbolique qui nous invite à voyager non pas vers l’extérieur mais vers son intérieur et le nôtre ? Invitation et provocation simultanées. Incitation aux retrouvailles. Avertissement critique. Par le mythe, par la figure du voyage, par les paysages traversées, mutants, marqués par l’image de la mer, par le livre-œuvre-passeport et les migrations qu’il présuppose, par sa parole qui vient de la marge. » 

Donner corps à des êtres pluriels et des mythes afro-caribéens tel est l’œuvre entamée par l’artiste Ronald Cyrille en 2022. Ronald Cyrille réalise plusieurs séries dans le cadre de sa résidence au MACTE. Deux expositions sont actuellement visibles : Identités Plurielles et Tigritude. Identités Plurielles est une invitation au spectateur. Ce dernier doit parcourir l’œuvre dans le couloir centrale de l’exposition permanente du Macte. Son regard peut déambuler entre actuel et moderne, entre les œuvres de Ronald Cyrille et œuvres abordant l’Histoire noire du XIXe ou XXe siècle.  Identités Plurielles est une scénographie de peinture et de collage. Cette exposition questionne, remet en question tant l’identité des êtres figurés que celles des spectateurs, tant l’histoire que les origines, que les trajectoires et les parcours de vie de l’artiste. Cette exposition n’est qu’une facette de l’œuvre de Ronald Cyrille, c’est un lieu de l’utopie. L’autre portrait de l’artiste est dressé par l’exposition Tigritude. Elle porte la couverture du cahier natale, la présence des Boats Peoples, et le choix des couleurs (rouge, blanc et noir) en témoigne. C’est un paysage de l’exil.

Qui est cet artiste guadeloupéen Ronald Cyrille qui se fait appeler B.Bird?

Ronald Cyrille Aka B.Bird est un artiste contemporain, né en Guadeloupe mais qui grandit à la Dominique. Son père est guadeloupéen et sa mère est dominiquaise. Si l’artiste nait en Guadeloupe, il connait ses premières émotions artistiques sur l’île natale de sa mère. De l’âge de huit mois jusqu’à ses huit ans, l’artiste connait une enfance heureuse sur l’île aux paysages chatoyants, enfance marquée par la présence de sa mère et de son grand-père. Bien qu’il soit issu d’une famille modeste, l’artiste est marqué par la création à des fins ludiques (création de fusils de pêche, batte de cricket élaborée à partir de feuille de cocotier). Puis, il revient en Guadeloupe pour être scolarisé dans la ville des Abymes. 

L’artiste poursuit sa formation artistique dans un cursus littéraire avec une spécialité arts-plastiques au lycée de Bainbridge où il obtient son baccalauréat en 2005. A l’issue de ce cursus secondaire, il réussit son concours d’entrée à l’Institut Régional des Arts Visuels de la Martinique. Il continue ses études à l’IRAV en se spécialisant dans la deux dimensions notamment la peinture et le dessin. Il y entame un processus de recherches plastiques qu’il définit comme « divers». Ce cursus marque son œuvre, puisque l’artiste y débute l’invention de ses premières mythologies personnelles. L’artiste dans son œuvre, use de matériaux de la Guadeloupe mais d’une iconographie qui rappelle ses souvenirs et y aborde ses émotions, ses douleurs et son vécu. 

Comment l’artiste réussit-il construire voire même se reconstruire dans son œuvre? La réponse de Ronald Cyrille est « Oui on peut se construire autrement. » Ronald Cyrille se situe entre deux cultures, entre deux langues, entre deux îles. Cet entre-deux est définit comme un quelque chose qui attrait à l’indéterminé comme le manifeste ses collages. Le terme entre-deux renvoie à l’intervalle qui le situe dans la traversée entre ces deux îles, une traversée qui est à l’œuvre, qui se manifestement plastiquement dans son œuvre, à travers l’usage d’un pseudonyme Black Bird, mais également à travers la représentation d’un bateau. Cet entre-deux témoigne d’un exil et d’une déchirure. Si l’étymologie du terme entre-deux indique qu’il s’agit d’un espace entre deux choses, tel un point de jonction. Son œuvre fait écho à des expressions créoles, ses figures citent les images d’enfance, des images-exilées ou des images d’un exil, des images-souvenirs ou des souvenirs d’enfance, des images-renaissantes ou un odyssée. 

  1. Enfances de l’art : être entre-deux, être indéterminé et être déchiré.

Dans une interview réalisée le cinq avril 2019, l’artiste nous évoque ces œuvres comme des « mythologies personnelles » situées au carrefour entre culture occidentale, culture africaine, culture guadeloupéenne, culture dominiquaise. « Je tends entre l’indéterminé, je crée un monde entre rêve et réalité, inspirée de mes souvenirs d’enfance. C’est une quête nécessaire pour être dans la tentative de créer du nouveau, une forme de recherche de l’accident, de lâcher prise. » L’artiste dans son acte de création devient un être itinérant dont l’intention est de représenter l’indéterminé. Quelle est la première émotion de l’artiste ? Ce vécu peut-il s’apparenter à une quête ? Le terme d’indéterminé vient des étymologies latines indeterminate et indeterminatus, l’une désignant la manière et l’autre un quelque chose qui se définit comme « a n’en plus finir ».3 Indeterminature renvoie à un quelque chose de « non délimité ». Ce non défini, ce non délimité est présent et ancré dans l’œuvre de Ronald Cyrille à travers le voyage en mer. Ce voyage de figure hybride se fait dans des lieux et des non lieux. Ce voyage renvoie à son histoire personnelle. Ronald Cyrille a grandi sur l’île de la Dominique. Il y résidera jusqu’à l’âge de 8 ans. Il est élevé par ses grands-parents dans une commune emplie de paysage, dont les horizons, les étendues, les jardins, les arbres le marqueront. A l’âge de 8 ans, il quittera ce lieu pour rejoindre ses parents en Guadeloupe. Il résidera aux abymes. Ce nouvel environnement sera en contraste avec les paysages naturels de la Dominique. Le jeune Ronald y rencontrera des lieux urbains. Quand nous lui posons la question : « Ces paysages d’enfance ont-ils manqué ou marqué ton œuvre ? » Il y répond à travers ses mots : « La Dominique offre un paysage différent, les distances, la scénographie de l’espace, le rapport aux gens, la familiarité. Les souvenirs, ce voyage entre les deux lieux, je les sublime dans mes œuvres. Plus j’étais en Guadeloupe, plus les souvenirs devenaient flous. Je retournais à la Dominique, j’y faisais une mise à jour de mes souvenirs, mais les lieux changeaient. Mon œuvre est marquée par des lieux rêvés et des lieux connus, mon jardin, mon oranger. Je veux saisir le lieu, lui donner une émotion. » 

Ronald Cyrille témoigne de son arrivée en Guadeloupe comme une déchirure. Cet exil marque pour lui une perte de repères, notamment la langue. Il y ressent le manque. Selon lui « une déchirure que j’ai vécu comme si on me coupait les ailes, comme si on me coupait avec la terre. En Guadeloupe il avait beaucoup d’interdit, un rapport au monde différent. » C’est ainsi que l’artiste commence à réinventer son monde. Par le dessin, il tend à saisir, à capter « l’essence de ses souvenirs, de constituer une base des souvenirs, une projection, une manière de fusionner, d’hybride, faire un « peu » comme une symbiose avec le nouveau lieu. » L’artiste a son arrivée vivra un choc culturel, un choc visuel, voir même un choc identitaire. Pour lui «Tout était à refaire à Boisripeaux.» Le terme déchirer vient de l’allemand bikerian, il exprime des sentiments de privation, de frustration, de séparation. Dans les deux expositions, la séparation est à l’œuvre. Il s’agit de Odyssée ponctuée et de Adn. Il n’est pas question de frustration mais d’une séparation sublimée, d’une souvenance. Où l’artiste repense par souffle ce pan de son histoire à travers le motif du voyage tout en évoquant la liberté. 

2. Images-exilées de figures hybridées : être-séparé, être-enraciné.

En 2017 et 2018, Ronald Cyrille crée deux expositions, l’une portant le titre de Odysée ponctuée au Centre culturel Rémy Nainsouta à Pointe-à-Pitre en Guadeloupe et l’autre ADN est une exposition faite de série de peinture, présentée à la Galerie André Arsenec, sur la scène nationale de l’Atrium en Martinique. Dans l’exposition ADN réalisée en 2018, l’artiste tend à saisir l’essence de ce qu’il lui reste de ses souvenirs d’enfance. Comment l’artiste sublime-t-il et enracine-t-il dans ses œuvres la séparation avec sa Dominique, sa terre mère et nourricière ? Se peut-il que cette séparation se sublime à travers la création de figures hybrides, mi animales, mi végétales ?

Dans Odyssée ponctuée deux séries semblent se côtoyer, une première série de peinture et une seconde série davantage tournée vers le dessin. Les deux séries semblent se différencier par les techniques, mais toutes les deux semblent réaliser par des mixtes médias. La pratique de Ronald Cyrille s’ancre dans le métissage c’est ainsi que l’acrylique s’associe à la bombe de peinture, et la sanguine au pastel ou au feutre. Paris pou siwo est une peinture acrylique sur toile, datant de 2015. Dans cette œuvre, le personnage placé au premier plan occupe les trois-quarts de l’espace de la toile. Il semble poursuivre une course, une enjambée. Il s’agit d’un coureur portant sur sa tête les feuilles d’un arbre à pain. Sur le dos de sa main, une bouche semble crier en direction d’une abeille qui semble se diriger vers un arrière-plan montagneux. Le tableau propose une lecture selon deux directions, celle du coureur et celle de l’abeille. Le coureur est vu de profil et son visage observe le ciel. Ce coureur est une créature hybride, mi-humaine, mi végétale. Dans notre entretien, Ronald Cyrille nous évoque une tradition rattachée à son île natale, celle d’enterrer sous un arbre le nombril d’un nouveau-né. Ainsi les enfants s’apparente aux arbres, il existe un lien entre les enfants et les arbres. Chacun possède son arbre. Mais il existe d’autres types d’hybride dans l’ œuvre de Ronald Cyrille, des hybrides entre animal et objet, voir même des personnifications.

L’œuvre de Ronald Cyrille est faite de voyage, de traversée. Elle renvoie à l’histoire des Boat people. A ces voyages de personnes qui étaient en quête d’une terre d’accueil, en quête d’asile et qui parfois se trouvaient en détresse en pleine mer. L’histoire de la Guadeloupe est constituée sur cette tresse d’Histoires, cette tresse de flux migratoires. L’artiste crée une sculpture intitulée Key escape. Sur deux plots orange et blanc, est posé un bateau de terre. A l’intérieur de ce petit bateau, appelé en créole guadeloupéen un kannot, sont disposées des mains noires. Si cette sculpture ne présente qu’un fragment de corps, des mains, le motif du bateau est récurrent dans l’œuvre de Ronald Cyrille. Ce voyage est celui de son enfance, de cette traversée vers Saint-François ou Marie-Galante. L’artiste possède un rapport à l’eau, il nous explique qu’il se souvient de ce paysage d’enfance « bordé par la mer ». Le motif est récurrent, migre de média en média. En effet dans le dessin à la sanguine intitulée La mangrove, le canot apparaît en rouge sur fond blanc. Le rouge peut être représentatif de la déchirure, de la perte de la séparation. Mais l’œuvre qui manifeste ce rapport à la traversée est la personnification d’un Black Bird en Kannot, un oiseau noir en canot. L’œuvre est connue sous les titres de Let me fly ou Freedom. Cette peinture date de 2015. Au premier plan, l’oiseau noir se tient debout sur deux jambes. Un pied semble chaussé d’une sandale et l’autre est à même la terre. A sa taille, l’oiseau porte, est inséré dans le petit bateau. Il lève la main comme s’il était en train de dire stop tout en regardant le spectateur. L’oiseau est dans un environnement naturel fait de fleur et de feuille. Il semble être dans un jardin. Le ciel semble agité comme s’il y avait du vent, ce qui donne une impression de feuille volante. En arrière- plan, les montagnes apparaissent. 

Le Black Bird semble être un être hybride, qui possède la crinière d’un coq de basse- cours, dont le corps est celui d’un homme portant un débardeur orange et un bermuda bleu. Il est placé dans le canot qui lui-même se trouve dans un jardin. Cette œuvre apparente cette figure du Black Bird à l’expression créole « ou kon chien a kannot ». Une expression qui renvoie littéralement à être dans une posture figée mais qui dans un langage figurée renvoie à être à l’intérieur de ce petit bateau. Outre le coureur – arbre à pain, outre l’oiseau noir – kannot, il existe une autre figure hybride dans l’œuvre de Ronald Cyrille celle du chien-errant. Cette figure revient dans de nombreuse de ces œuvres. Il peut s’agir d’un être bicéphale, mais selon l’artiste il s’agit d’un « prétexte pour parler de l’homme ». En effet en Guadeloupe cette figure du chien errant est très connotée. Il s’agit d’un chien créole qui n’a pas de maison, qui n’a pas de propriétaire, qui n’a pas de repère. Il erre à la recherche de nourriture. Le chien renvoie au mwofwasé « moun ka touné en chien », à un questionnement où un groupe de jeunes s’attribue les attributs du chien (chien lari). Le chien errant est une figure libre connotée et connue, cette figure façonne un imaginaire, fait de rencontres, de rêves et réalités. C’est une figure libre dans cette société comme dans les œuvres, ses chiens possèdes de multiples têtes, de multiples habits.

  • Images-souvenances : être-errant, être-en-marge, être-racine.

Dans l’œuvre de Ronald Cyrille, il y a d’autres créatures hybrides qui renvoient à des images de souvenance. C’est une réflexion plastique qui place des personnages dans des lieux, des lieux de la terre d’origine, de la terre mère et nourricière, de ce jardin d’enfance sur l’île de la Dominique. Pour P. Chamoiseau, c’est un moment de souvenance.

En 2019, dans l’exposition de Ronald Cyrille à l’Arawak Hotel, deux figures semblaient enraciner dans des lieux in situ, il s’agit de la figure du chien et celle de l’oiseau noir. L’errance semblait être manifeste, en s’inscrivant dans des itinéraires, des voyages à travers la figure du bateau, un Kannot qui ne cesse d’aller et venir entre indéterminé et déchirure. Ces itinéraires, ces voyages font écho au vécu de l’artiste. Ronald Cyrille questionnait cette pluralité des regards, en tissant un lien entre le « prolifique » et « l’errance ». En effet être prolifique c’est une expression qui engendre beaucoup, qui se multiplie rapidement, qui nait à profusion. Le terme est scientifique, il désigne « la multiplication des êtres vivants. ». D’un point de vue, métaphorique, le geste et le processus créateur pourrait être envisagé comme prolifique, car l’artiste multiplie une expression de l’errance, des êtres dansent, se baladent, courent. Les figures de l’artiste sont en mouvement, elles passent.

L’errant est dans la souvenance, il arpente sa racine, entre les lieux d’enfance et de mémoires. Il fait corps avec le monde. Il convoque des images pleines de chaleurs et de douleurs. Il semblerait que les errances créoles témoignent d’un héritage ancré en chacun, d’une vision intérieure d’un passé qui vise à être connu, à être reconnu. Selon V. Larose, l’écriture de P. Chamoiseau peut être décrite comme les errances d’une souvenance. Elle décrit “l’errance comme mouvance des sens”. Elle cite une phrase qu’il aurait prononcée lors du salon littéraire de l’Outre-mer en 2004 : “l’Errance est détours, dérives, échappées pour se constituer. L’Errant, disponible dans le mouvement, peut s’enrichir du monde.” 

Les errances créoles deviennent un ancrage dans un héritage du créole. Elle est le vecteur de la Créolité, d’une unité dans la diversité, un besoin d’exprimer un non vécu, une douleur. L’héritage s’ancre dans la terre, dans le site. On découvre des cimetières d’esclaves, on découvre des débris de corps, et des fossés. L’errance créole appelle l’homme à parcourir la terre, à la saisir, l’analyser pour s’y intégrer. Il doit faire corps avec son monde. Devant les images, je suis devant un temps, devant mon histoire, j’ouvre une brèche temporelle. L’œuvre doit exprimer elle aussi cet héritage jouant sur les échos, sur l’esthétique, elle doit composer et recomposer un monde avec des recherches. Elle doit témoigner à la manière de P. Chamoiseau et rechercher le lieu d’enfance, les mettre en regard des lieux de mémoire.

E. Glissant la décrit comme la pensée de l’errance. Placé dans un lieu, on s’y abandonne, on devient des être-comme-étant. Glissant écrit :« La pensée de l’errance est celle de nos ralliements, de nos prétendus d’avance, par quoi nous migrons (…) où se révèle des êtres-comme-étant, l’indistinction de l’essence et de la substance, de la demeure et du mouvement (…) la pensée de l’errance est celle des racines en rhizome. L’errance est le lieu de la répétition » (Glissant, 2009, pp.61-62) On se projette, on rencontre des lieux et des temps. Ces figures hybrides s’ancrent et parcourent, elles incarnent la pensée de l’errance définit par Glissant. Ce sont des êtres comme-étant.

  • Images-renaissantes, Images retrouvées  : identités plurielles, odyssée et mythologie personnelle.

L’écriture de Chamoiseau est une projection dans le passé, il en appelle à sa mémoire, il fait acte de souvenance. C’est une écriture remplie d’images, on y voyage. P. Chamoiseau marque le début de son errance dans la perte de sa maison d’enfance, une maison qui l’a vu grandir, jouer, rire. Ronald Cyrille marque le début de son errance par la traversée en Kannot, mais également la perte de son arbre, la perte des paysages de la Dominique. L’artiste est marqué par son exil. Les deux œuvres prennent la forme d’une mythologie personnelle qui témoigne du vide laissé par la perte du lieu d’enfance.

Qu’est-ce qu’une mythologie personnelle ? Comment ce concept permet-il à l’artiste de se situer en marge de la réalité, de prendre les contre-allées, de délaisser les grands axes ?

L’artiste, l’écrivain délaissent et détournent l’exil, le vide, le manque, la perte, le deuil du lieu d’enfance pour se reconstruire. Ils choisissent tous deux de conter quelques images prélevées de leurs souvenirs d’enfance. Ils racontent tant en prose qu’en peinture une histoire personnelle fragmentée. Cette histoire devient un témoignage de cette enfance qui n’est plus, mais qui peut être réanimée, qui peut réapparaitre tel un souffle en chacune de leurs œuvres. L’écriture des mythologies personnelles permet à l’artiste de traiter des problématiques contemporaines (les boat people, les migrations, l’hybridation, le tout-monde) tout en l’inscrivant dans son imaginaire et dans son vécu. Il est question de soi, de ses émotions. Le regard de l’artiste s’inscrit en ses lieux, en son passé tout en se tournant vers l’ailleurs. L’artiste et l’écrivain se place dans cette dialectique de mystification du mythe, dans cette quête sublimée du pays ou de l’enfance qui manque. Cette dialectique les conduit tous les deux à être en marge, entre exil et errance, leurs pratiques les amène à créer des images-souvenances, des images en marge de la réalité, faites d’espace de vide et parfois de blanc, des images épisodiques et sporadiques. 

En 2022, une nouvelle figure entre en scène dans l’oeuvre de Ronald Cyrille, celle d’une femme arbre à pain, cette image se perle de trouble, elle tend à sublimer l’essence des souvenirs d’enfance : le rapport entre arbre et homme dans deux séries de l’artiste. Dans les collages noirs et rouges, ainsi que les peintures présentent cet être mi-femme, mi oiseau, mi arbre à pain. Dans ses œuvres les gestes, les créations se multiplient, se muent. Cet être est un rhizome dont la chevelure tisse un lien indestructible avec le paysage qu’elle habite, qu’elle arpente. Cette figure féminine est nourricière mais elle est également féconde. C’est une tige souterraine, vivace plus ou moins allongée, pourvue de feuilles, créatrice de racine et de bourgeon. Cette figure mi femme-mi oiseau-mi arbre à pain donne naissance, elle transmigre les souvenirs de l’artiste dans des espaces luxuriants et sporadiques. 

Cette figure marque une expression artistique poignante. Elle façonne des images renaissantes, des images retrouvées, cristallisées de l’enfance de l’art. Elle porte en elle toute la mythologie personnelle de l’artiste enfant de la Dominique et de la Guadeloupe. Cette figure porte également le masque social notamment dans l’œuvre Bwa Kayiman. Si son expression est pluriel, son essence est d’être en mouvement ou mouvante. Son identité porte un masque jaune ou rouge qui la contraint. Elle ne peut s’exprimer pleinement même si sa bouche et ses yeux tendent à en sortir. Son corps, sa posture dans la série de peinture expriment sa liberté, sa danse. 

Cette figure n’est pas seule dans le monde créé et récréé par l’artiste. Dans La danse, elle va à la rencontre, elle entre en interaction avec d’autre figures, à l’abris des regards, dans une ronde, il entame un rituel dans un paysage marqué presque par un camaïeu de vert et d’ocre. Cette scène se déroule en fin d’après-midi. L’artiste laisse un repère au spectateur en plaçant un lavis rose-violet en arrière-plan. La posture des figures, la ronde rappelle la Danse d’Henri Matisse (1910), tandis que le traitement du paysage façonné par le travail précis de la touche, par un léger clair-obscur fait écho à la Forêt de Fontainebleau de Jean-Baptiste Corot. (1834). La touche, la composition esquisse la volonté de l’artiste de faire transmigrer ses figures au-delà de ses racines, de son vécu. 

L’identité plurielle dans l’expression artistique de Ronald Cyrille est lié à son parcours de l’artiste. Son oeuvre peut être lue en quatre temps : image (s) d’enfance, image(s)-souvenance(s), image(s)-exilée(s), image(s) renaissante(s). L’œuvre de Ronald Cyrille met en exergue la célèbre citation de Robert Filliou « l’art est ce qui rend la vie plus intéressante que l’art. ». 

En créant des êtres hybrides, métamorphosés, pluriels, l’artiste dépasse le cadre de la mythologie personnelle, il tend à créer un mythe dont l’essence se trouve dans les paysages luxuriants. Ronald Cyrille souhaite que son oeuvre s’adresse à tous, touche les spectateurs. Il dessine progressivement un récit qui peut être approprié par tous, des identités qui sont sans cesse en interaction dans le monde, qui s’approprient des espaces, des identités qui sont capturées tels des instants décisifs. Des identités qui sont en quête. En effet le processus créateur de B.Bird n’est jamais « un », « unique ». L’artiste explore une multitude de techniques (dessin, peinture, collage,sculpture, street- art, installation, photographie) et une pluralité de supports (toile, bois, matériaux de récupération) aux formats variés et variables. Son geste et son tracé façonnent une œuvre multiple, souvent en série. Car la toile ne peut contenir tous les récits. L’enjeu est l’intégration d’une iconographie qui relate son adaptation dans un lieu qui est Autre. Cette expression plastiques en série crée une un mythe. Selon Roland Barthes « le mythe est une parole ». Selon Barthes, le mythe est un système de communication, c’est un message. On voit par-là que le mythe ne saurait être un objet, un concept ou une idée, c’est un mode de signification, c’est une forme. »[1] Ce système de communication renvoie à une histoire passée, un souvenir, un récit raconté par un grand père ou par une mère.  

En 2021, l’artiste connait une terrible épreuve : toute son œuvre est brulée à la suite d’un incendie volontaire dans son atelier. Ayant perdu plus de vingt années de recherches plastiques, d’œuvres dont certaines ont été exposées à New York, en Allemagne, en Martinique, en Guadeloupe. L’artiste est ravagé à la suite de ce drame mais il conserve une attitude résiliente. Il recommence progressivement à faire ce qu’il sait faire : il se remet à peindre, à créer, il reprend ses bombes de peinture, ses pinceaux, rachète des supports. Il recommence à  s’exprimer et à créer des identités plurielles. Il en témoigne ainsi « Créer c’est une manière de survivre, dépasser même tout ce qui pourrait être l’idée de la mort. Créer est une quête perpétuelle dans laquelle il y a des victoires, des remises en question, c’est une forme d’odyssée. » Ce témoignage rappelle également le parcours de l’artiste cubaine Ana Mendieta dont l’œuvre était un manifeste de sa vie, de sa perte et de ses origines.  A l’âge de douze ans, Ana Mendieta a été obligée de s’exiler de Cuba vers les États-Unis, accompagnée de sa sœur, pour des raisons politiques. Elle perd tous ses repères, son cadre familial, l’enveloppe maternelle. Un sentiment d’arrachement, de peine et probablement de manque, naît en elle. De cette émotion va émerger une envie de créer.[2] Pour Marcadé, « Je sais que si je n’avais pas découvert l’art, je serai devenue une criminelle. Mon art provient de la rage et du déplacement. Même si l’image peut ne pas être une image très rageuse, je pense que tout art vient d’une rage sublimée ». (Marcadé, 2000, pp.38-41) Dans son travail, il y a une atmosphère de violence, de mort, mais un dépassement, une esthétique de limite liée à son corps, toujours aller au-delà. Elle se déplace sans cesse sur le territoire américain, elle voyage, c’est une manière de s’enraciner, de se fondre dans le paysage, de devenir une de ces racines.

L’oeuvre de Ronald Cyrille porte l’empreinte de son vécu, de son enfance dans laquelle les animaux qu’il y a connu, deviennent des personnages qui content son histoire, sa vie et offre un nouveau regard sur ce monde. C’est une interprétation subjective, esthétique et émotionnelle du fait migratoire. Christelle Lozère offre une piste de réflexion sur « une interprétation subjective, esthétique et émotionnelle du fait migratoire, l’étude des images témoignant directement ou indirectement de la mémoire du migrant façonnée par les jeux de perceptions et d’échelles. Il s’agira d’étudier comment les productions artistiques ont construit les regards sur le migrant ainsi que les histoires familiales et intimes. »   Dans sa note d’intention sur les images du migrant dans l’histoire de l’art antillais, Christelle Lozère rappelle que pour « Cécile Croce, le regard occidental sur l’étranger est marqué par le colonialisme, présentant les peuples conquis comme non cultivés, voire sauvages, sous-développés et inférieurs, drainant un imaginaire souvent érotique dont l’objet va de l’innocence (celle supposée des enfants) à la bestialité de l’instinct (celle des animaux). Ce point de vue est entretenu par la circulation des images (dessin, gravure, photographie, carte postale, affiche, etc.) utilisées à des fins politiques, économiques ou encore identitaires. » *

Dans l’oeuvre de Ronald Cyrille, cette construction identitaire prend la forme d’une expression plurielle ou expression faite de prolifération de ces récits d’enfance, un « je ne sais quoi » qui se multiplie et qui transmigre d’une œuvre à l’autre, une création d’êtres pluriels et hybrides, il met en exergue une mythologie personnelle faite d’image d’enfance, image-souvenance, image-exilée, image renaissante. L’artiste, à travers les deux expositions Identités plurielles et Tigritude, met à nu un véritable système de communication, l’artiste construit un mythe.


[1]R. Barthes, Mythologies, Paris, Seuil, 1957, p.181

[2]B.Marcadé, Et in Mendieta ego, Art press 253, Paris, 01/01/2000, p.38-41, cité oar Ch.Merewether, « From inscription to Dissolution… », in catalogue A.Mendieta, Centro Galego de Arte Contemporaneo, Saint-Jacques de Compostele, 1996. 


Vous aimerez aussi...

Laisser un commentaire

Votre adresse e-mail ne sera pas publiée.

Ce site utilise Akismet pour réduire les indésirables. En savoir plus sur comment les données de vos commentaires sont utilisées.

Rechercher dans OpenEdition Search

Vous allez être redirigé vers OpenEdition Search